Cresciuto a Milano nel bacino del GAR, Gruppo Artisti Rosetum, nel periodo della giovinezza (1974 – 1985) ha acquisito le conoscenze delle tecniche a tempera e a olio frequentando il Circolo del Gar e direttamente gli studi – dove ha assaporato le ricerche espressive – di pittori quali Bellé, Suigo, Bianchi. In questo periodo ha esposto le sue prime opere a olio in varie mostre collettive, tra cui “Arte Strada”, in varie edizioni. Una parte di questa prima produzione è tuttora nelle mani dell’autore, altre parti si trovano presso privati (collezione Taini e altri).  Da allora la produzione artistica si è indirizzata stabilmente sull’acrilico . In questo periodo di maturità ha esposto in via Bagutta (varie edizioni) e in alcune mostre collettive, tra cui Bardolino in Arte (ultima edizione, 2022). Da una decina d’anni sostiene la Fondazione Arte e Scienza, in memoria di Renzo Bergamo; ha supportato la famiglia Dova per la promozione dell’archivio Dova, e mantiene stabile corrispondenza con scienziati e artisti sui temi del caos, dell’armonia e della simmetria (Lanzi, Della Pergola, oltre agli scomparsi Giorello, Simonelli, Daverio).

Born in Ho Chi Minh City in 1994, she arrived in France at the age of one, and was adopted by French parents. Painting came to her 20 years ago when she received her first painting set for her birthday. It fast became a way of expressing all her emotions. As a self-taught painter, she graduated from the Panthéon Sorbonne University in Paris. She lives in her Parisian flat or in her parents' house in Aix en Provence, devoting her free time to painting. After working for a few years in marketing and advertising, she decided to leave more room for painting, especially during confinement. For her Art has always been a way of escaping from my fast- paced daily life. Her style is full of colors, nature and abstractionism that aim at bringing any kind of emotion to people. Whenever she paints she feels devoted to her painting and always finds the deepest emotions. She wants people to feel alive, to be aligned with what they feel and what they see. She has exhibited her work for the first time in a Gallery in Aix-en-Provence this year.

Born in Milan in 1990 and educated in Milan, New York and Paris, he started working as a photo reporter and photo editor. His approach to photography changed throughout the years until it became a means of artistic expression. By combining influences vastly different from one another, he found his aesthetics: on one hand, he was inspired by the great American official photography, while on the other, the imagination typical of the contemporary Asiatic production lead him to create more visceral and fantastic images, which made him an artist constantly experimenting.

Jane Thompson was born and raised on a farm in the Southern Tablelands of NSW, Australia. An avid explorer, Jane has lived and workded in many places throughout Australia, including Broken Hill, the Kimberleys, Canberra, Sydney and now Brisbane where she lives her with two young children, one husband and one mischievous Beagle. Jane’s artwork is vibrant and full of moving energy. She is inspired and fascinated by the energy we create as human beings through our emotions, our intentions and our experiences. By tapping into the space that exits between thoughts, the active state of creating for Jane is conversely almost meditative, where she allows her sub-conscious to intuitively make the decisions and show her the way. Preferring to paint with no rules, no boundaries, no expectations and no plan of what it should be, the end result is a complete surprise to Jane. Through her brisk approach, deliberate use of contrast and expressive gestural marks, Jane’s art evokes joyful optimism, personal reflection and bold inspiration. Her paintings are colorful, imaginative, expressive and spontaneous. And the process absolutely always involves music.

Liubov è una pittrice russa e scultrice della ceramica con sede in Europa. Nel 2013 si laurea magna cum laude presso l’Accademia d’Arte di Mosca intitolata a Surikov. Nel 2012 viene invitata come insegnante di pittura presso il liceo artistico di Mosca e vi lavora per 2 anni. Nel 2014 decide di arricchire la sua formazione frequentando un Master all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano scegliendo questa volta l’indirizzo di arte contemporanea. Dopo un anno decide di interrompere gli studi e affitta uno studio per sviluppare il suo linguaggio artistico indipendentemente. Nel 2015 diventa membro dell’Associazione degli artisti russi. Liubov lavora principalmente con colori a olio, trattando temi soggettivi come il tempo, la memoria, le fasi della crescita personale. A volte esprime i suoi pensieri illustrando oggetti buffi, usando colori forti e brillanti per sdrammatizzare argomenti così complicati. Recentemente ha iniziato a lavorare con l’argilla. Sta creando sculture astratte sculture astratte e sviluppa i propri smalti con effetti speciali a livello chimico.

Siobhan Cox-Carlos è un’artista irlandese dedicata all’espressionismo astratto. Risiede nella sua città natale, Roscommon, nell’Irlanda occidentale. Ha ottenuto una laurea con lode in Belle Arti nel 2004 dal Limerick College of Art & Design, Irlanda.Collaborazioni: Siobhan ha collaborato con diverse scuole, impegnandosi con insegnanti e alunni per progettare e dipingere murales. È stata anche una dei tre artisti selezionati per partecipare a un progetto pilota del Consiglio della Contea di Roscommon, Artist on my Green, che la vede collaborare con un gruppo della comunità per un periodo di sei settimane.

Class of '96, blood from Emilia Romagna. Always a great lover of reading and poetry, she then decided to start bringing her inner world to the page after attending humanities high school. A language student in college, she learned that words have the power to shape reality, so she chooses to write what she feels in order to understand something about herself and the world around her.

Originally from Mexico City, she attributes her way of seeing the world around her to moving between different countries, languages, and cultures throughout her life. Equally fluent in her artistic practice, Agahnia works in a variety of media: printmaking, painting, photography, and encaustic. She focuses on creating hybrid combinations of the various materials, giving her art unique and unexpected qualities. Agahnia’s work in graphic design and photography is evident in her paintings. Incorporating the structure of graphic design and photography in contrast to the freedom of abstraction, her work examines the relationship between the two. This exploration of balance and harmony is the cornerstone of the artist’s studio practice. Fresh and exciting, Agahnia’s art is rich in layers of color, shapes, and texture. From her constant exploration of new materials to her unusual juxtapositions of structure and abstraction, Agahnia’s work is both original and compelling. Her work has been commissioned by several commercial developments including Rancho Valencia Resort in California and First Service Residential in New York

In this episode we talk to Mary Claire Tillotson about her artistic career coming from another country and her fantastic perception of reality, including her childhood memories. Mary Claire began young life with paper and art supplies always in hand. She thus attended Winthrop University to study Fine Arts with the intention of being an artist but with no real direction or voice. After a brief deviation from her passions to study law, she returned to art once her kids began to grow up. As both a practicing lawyer and artist, she finds the left brain/right brain blend improves the way she handles the tasks she is faced with. Being a Lawyer is relentlessly analytic, and she finds it lends her the ability whilst painting to make careful selections in mark making, value, color, and composition. This allows her to achieve a very specific result while editing the intuitive painting strokes; that are the very essence of her creative pursuit. The result is a beautiful balance of intuition and thought in each piece. Mary Claire grew up in the countryside in South Carolina and spent much of her youth hiking and wandering in the woods. She now draws much of her artistic inspiration from this passion - which she continues to practice. She seeks daily solace walking in the forest either alone or with her dog and kids. Her current artistic practice seeks the same sense of wonder and magic she feels when there. She is interested in creating a distinct mood and emotion within each piece, to create a dialogue with the observer and bring the collector’s vision to life.

In this episode we talk to Lorraine about her great experience in the artistic field and her valuable contribution to the foundation of Global Artelier 21. Lorraine lives in Buckinghamshire, England. Lorraine paints from memories and intuition, and for the pure joy of it! Each painting is a voyage of discovery, revealing it's story to you, layer by layer. Lorraine takes inspiration from treasured memories, all things vintage and anything that sparks joy. Lorraine loves the spontaneity of acrylic paint and enjoys adding texture with ephemera, crayon and line-work. Lorraine builds up history with each layer and uses glazes or cold wax for depth. Lorraine loves freedom of expression and her mantra is ‘don’t think, just paint’. She works intuitively, responding to each mark. Her work weaves in the unexpected moments of joy that life brings and is created with the desire to bring the viewer joy. Lorraine also hosts abstract acrylic workshops and is a co-founder of the Global Artelier 21, a collective of nine women artists who met during CVP 2021

In this episode we talk to Belinda about her past, her artistic experiences and the day when her vision radically changed.

In questo episodio parleremo con Sara Ruggieri della sua innovativa tenica mista e come i ricordi del passato possono giocare un ruolo fondamentale nella crescita artistica. Nata a San Benedetto del Tronto il 27 luglio del 1999. Ho proseguito gli studi artistici fino all’università, laureandomi allo IED di Milano in Illustrazione e Animazione. Il mio corto di tesi, “Mio Figlio è Bravo a Giocare a Nascondino”, è stato donato alla Associazione no profit “Hikikomori Italia” a cura di Marco Crepaldi ed è arrivata in finale al Festival dell’Organizzazione Mondiale della sanità (Who’s Health for All film Festival). Successivamente ai miei studi, ho collaborato con “LaFeltrinelli” e la rivista letteraria “Il Maradàgal”.

In questo episodio parleremo con Luigi Francischello delle sue esperienze in Australia, delle sue esperienze nella parte meno turistica di questa immensa isola. Luigi Francischello, nato a Zurigo, ha vissuto i suoi primi anni in Svizzera e Australia, ora vive in Italia. È laureato all’Accademia di Belle Arti e ha iniziato a lavorare nell’arte da quando aveva diciannove anni. Ha esposto a mostre personali e collettive in giro per il mondo. Le sue opere appartengono a collezioni pubbliche e private come ‘Museu da Cidade de Aveleiro’. “Credo che l’arte sia esperienza ed espressione dell’anima e mi da l’opportunità di dialogare con i miei pensieri con i vari significati e con la casualità del processo creativo.” Luigi è sopratutto interessato ai simboli sacri, ornamenti barocchi e letteratura. “L’abbondanza di dettagli, l’incomparabile semplicità e dal lato opposto la complessità dell’insieme sono una vera e preziosa fonte di ispirazione per le mie opere, come una cornucopia.”

In this episode, we talk to Mo about his devotion to an important theme concerning childhood and health, which he has featured in his paintings. Drawing pictures and writing short stories has been a form of expression for her since her childhood and youth. When she decided to study art, her parents said: "Do something practical". Long story short, she chose something adequate for her parents. As a graduated social worker and trauma-centered consultant and in training to become a child and adolescent psychotherapist, something happened inside her. Thus, she’s now also Mo, a freelance artist. Her art, paintings, drawings and writings have accompanied her throughout all her life. Currently, being a freelance artist is also an important part of her, which has a great impact. Inspired by her work with children and young people, the artist in her is always coming more and more to the fore. She really enjoys working with children and young people, but a part of her is always looking for another way to express her work experiences. She has been working for so many years with traumatized and non-traumatized children and young people who have suffered severe sexual and psychological/physical violence. That left deep scars on them and often lead them to perceive themselves as ineffective individuals or it compromised the connection with their emotions. They have forgotten how to listen to their feelings, to perceive their own actions and to know themselves. She can only be effective when she knows who she is, what she feels, sees, hears and tastes: when she can trust her perception. Painting, creating works of art, is an opportunity to regain access to the emotional world, to get to know yourself and to find new means of expression. This is one of the most central points in children's and young people's experience of self-efficacy. Children and young people must find ways of expressing which weren’t allowed to be just said.

In questo episodio parleremo con Gabriele del suo cambiamento artistico, del su ritorno ad una tecnica fuori dal tempo e in contro tendenza con i movimenti contemporanei. Gabriele Scanziani è un pittore contemporaneo svizzero-italiano. È un artista autodidatta con unostile fortemente personale influenzato da visioni oniriche e da reminiscenze infantili. La pittura di Scanziani è caratterizzata dalla presenza di figure macrocefale e dalle estremità filiformi, creando scene surreali e un mondo di personaggi insoliti che, nonostante la loro drammaticità e deformità,mostrano tenerezza e gentilezza. Possiamo osservare nella sua opera gli studi sulla figura dei protagonisti, con un’attenzione particolare sul volto e il modo in cui pochi tratti possono rappresentare una grande forza di espressione. Le figure sono per lo più collocate su uno sfondo neutro, azzurro, arancione o scuro e in ogni scena, non esistono linee che taglino il piano verticale dello sfondo con quello orizzontale, concentrando l’attenzione dello spettatore principalmente sui personaggi. “Mi affascina osservare come un qualcosa possa trasformarsi dopo aver guardato più da vicino le sue caratteristiche. Cerco di seguire lo stesso principio, usando i dettagli per spingere lo lo spettatore a percepire l’opera d’arte da diverse prospettive”. Nato a Mendrisio, Svizzera, nel 1980, è figlio di uno scrittore e di un insegnante. Suo padre, che aveva 72 anni quando è nato, ha iniziato a soffrire del morbo di Alzheimerquando l’artista aveva 14 anni ed è morto 8 anni dopo. È stato scelto tra gli artisti selezionati del Thomson Art Prize nel 2021 e le sue opere saranno esposte in Europa e negli Stati Uniti durante l’anno 2022. I suoi dipinti sono presenti in diverse collezioni private tra Svizzera, Italia e Francia.

In questo episodio capiremo con Ilaria Amodio come affrontare due campi apparentemente opposti e riuscire ad inseguirli entrambi con devozione e sagezza: giurisprudenza e poesia. Nata a Monza il 31 Maggio 1995. La passione per la poesia si sviluppa durante gli studi classici, quando, durante il ginnasio, partecipa a concorsi letterari organizzati dal liceo. La poesia è un mezzo di espressione, tra i temi ricorrenti l’amore, viscerale e multiforme. Originaria di Pizzo Calabro, incantevole borgo marittimo, fin da piccola, Ilaria trae dal mare nutrimento e ispirazione. Laureata in giurisprudenza, attualmente svolge la pratica forense. Ilaria considera la poesia necessità e diletto, oltre che il miglior modo per essere sinceri senza dare spiegazioni.

In questo episodio parleremo con Ego Nauta della sua fotografia notturna, dell'importanza della luce negli scatti e delle sue ispirazioni. Ego Nauta aka Bruschi Mauro, classe 1979, sperimenta la fotografia e studia da autodidatta. Ha affinato la tecnica dal padre, appassionato di fotografia industriale e religiosa. Le principali influenze arrivano dalla pittura, dalla letteratura e dalla musica che circonda i suoi pensieri. Artisti come Edward Hopper e Alessandro Papetti, scrittori come Raymond Carver e Cormac Mcarthy e musicisti come gli Hammock e tutta la musica ambient post rock.La fotografia di Ego Nauta si osserva attraverso l’analisi di sé per cercare di descrivere stati d’ansia, solitudine e silenzio che hanno caratterizzato una parte della sua vita. Ha realizzato libri fotografici custoditi in punti di book crossing e installazioni negli stessi luoghi dove ha scattato.

In this episode we talk to Bjørg about his love of nature, his early start in art and his passions in the field of physics. Bjørg-Elise Tuppen’s art explore how we are integrated with reality through depicting and sculpting the human form in relation to natural processes, the landscape, and the history embedded within it. It puts it us in context with the universe, natural laws and history; creating corridors in time and space, which consequently makes us see past our self awareness, and sense the larger connections. We are limited in time and space, invested in our own lives and homes. But nature is our home. Nature is us. Through her exploration of the elusive nature of our reality, she centre us, humans, and connects us to the larger universe; naming us the conscious part of it. Able to experience ourselves and to communicate our thoughts and feelings. This is something that separates us from the rest of the known universe. Thus, we mostly relate to and show affection towards the things closes to us. As a result, this often blinds us from understanding how deeply integrated we really are with nature; both our physical surroundings, as well as the scientific nature of our universe.

In questo episodio parleremo del viaggio con Alessandro Salemi, della sua naturale voglia di sognare e di quanto le aspettative portano un nuovo colore alle poesie contemporanee. Alessandro Salemi nasce a Carate Brianza il 2 settembre ’91 e cresce a Besana in Brianza, precisamente nella piccola frazione bucolica di Brugora. Le sue origini sono siciliane, infatti confluiscono in lui aspetti di una sicilianità antica, trasmessi in particolare dal Nonno Luigi che è stato il suo mentore. Alessandro scrive poesie dall’età di 11 anni. Per lui scrivere poesie ha un po’ lo stesso senso che ha avuto il comporre musica per Amy Winehouse. Lei diceva “La musica è l’unica terapia che ho a disposizione per trasformare i miei fallimenti in vittoria”, Alessandro, parafrasando le sue parole dice che la poesia è lo strumento che ha per fare fronte alle sue emozioni e provare a cristallizzarle per trarne sollievo o metterne in risalto l’aspetto sublime. Le lettere hanno fatto parte della sua formazione; dopo le medie ha deciso di frequentare il Liceo classico, dove si è diplomo ma ha sempre vissuto le materie letterarie come una costrizione, per cui successivamente ha deciso di cambiare area di studi iscrivendosi prima in Giurisprudenza e poi in Scienze politiche. È grazie a Pier Paolo Pasolini che riscopre la bellezza e il valore di indagine delle lettere e anni dopo decide di riprendere gli studi ma questa volta scegliendo quelli giusti per se. Alessandro Salemi si laurea nel 2019 in Le4ere moderne, mentre ora è laureando di magistrale in Comunicazione. Dopo esperienze lavorative diverse è adesso collaboratore giornalistico con l’aspirazione di diventare professionista e provare a fare della scrittura un mestiere. Alessandro è felice di condividere le sue poesie con Young Art Hunters, un laboratorio di idee e creatività, per lui espressione di quella Milano illuministico-romantica sempre densa di novità e di vita.

In this episode we will talk on lynette about her past and the necessary beliefs that led her to become a brave artist, moved to Italy from Los Angeles. Lynette Reed arrived in northern Italy from her home state of California, February 20, 2020. Over the coming days, reports of COVID-19 increased and very quickly, the word “lockdown”  became part of our every day vocabulary. Delta Airlines followed swiftly and began canceling flights,  so Lynette found herself stuck in Bassano del Grappa. “It was a terrifying time,” recalls Lynette “As I have always created, I  knew the best way to get through it was to find something to do with my hands. What I didn’t realize was  painting was about to open an amazing world to me and become my obsession.” She started painting  religiously every day populating her canvases with lively or moody hues  forming lines and shapes off all sorts that together created harmonious and abstract landscapes. “Living in this beautiful Northern Italian town has a great influence on my paintings.” says Lynette “The colors, the light, the aging peeling paint, the winding cobblestone streets, the river and mountains outside my window, the lively people and the absolute overload on all of my senses (in a good way) all play a large part in every piece of art I make.” Art has become Lynette’s unexpected form of therapy and a powerful way for her self-expression during uncertain times that not only changed her routine, but also her take on life. Lynettes studio is housed in what was a silk storage facility dating back a few hundred years.